De kunst die we verdienen
Hightech is oude nieuwe media in de hedendaagse kunst
De uitdagingen en problemen waarmee kunst wordt geconfronteerd in de context van digitale technologieën, werden al in 1936 verwoord door de cultuurtheoreticus Walter Benjamin in het essay "The Work of Art in the Age of its Technical Reproducibility". Toen werd praten over de dood van de kunst ook geassocieerd met wetenschappelijke en technologische vooruitgang - de opkomst van fotografie, die, zoals velen aannamen, de beeldende kunst zou kunnen verdringen. Maar dat gebeurde niet: fotografie werd geen concurrent van de schilderkunst, maar vormde een eigen ecologische niche.
De auteur van Digital Art, Christiane Pohl, maakt een belangrijk onderscheid tussen kunst die digitale technologieën gebruikt als hulpmiddel om min of meer traditionele werken te creëren, en wat gewoonlijk wordt aangeduid als de eigenlijke term "mediakunst" - "digitale computerkunst die wordt gemaakt, opgeslagen en gedistribueerd met behulp van digitale technologieën en gebruikt deze uitsluitend als uitdrukkingsmiddel.
Alle gebieden, verenigd door de termen "digitaal" of "mediakunst", hebben gemeen dat ze proberen de impact van nieuwe technologieën op onze tijd te begrijpen. En vanuit dit oogpunt is elke kunst mediakunst. En als we kijken naar de kunstgeschiedenis van vorige tijdperken, zullen we zien hoe sterk alle soorten kunst uit het verleden afhankelijk waren van technologie, afhankelijk van materialiteit, afhankelijk van de infrastructuur waarin ze waren ingeschreven.
Dat geldt ook voor digitale kunst in zijn verschillende transformaties, of het nu gaat om moderne videokunst, virtuele meeslepende omgevingen of omgevingen die augmented reality gebruiken. Is er iets radicaal nieuws in hun beeld van de impact van technologie op onze ervaring? Vanuit het gezichtspunt van de huidige opvattingen over kunstgeschiedenis en filosofie lijkt de kunst van 'nieuwe media' een voortzetting van een zeer lange geschiedenis.
De levende klassieker van de Britse schilderkunst, David Hockney, geeft de laatste jaren de voorkeur aan iPads boven canvas en acrylverf, en de Belg Wim Delvoye hervormt de vormen van gotische reliekschrijnen, waarbij hij zijn toevlucht neemt tot de hulp van een 3D-printer in plaats van meester-juweliers. Beide kunstenaars gebruiken echter digitale technologieën voor doeleinden buiten deze technologieën. Wanneer mensen met een technische achtergrond met digitaal werken, schrijven ze code om bepaalde taken uit te voeren: bijvoorbeeld zodat algoritmen fractale structuren zichtbaar maken.
Een andere manier om met digitale technologieën te werken, is door de impact van "cijfers" op de samenleving, politiek, cultuur en economie te begrijpen. Kunstenaars kunnen in hun werken zowel optimistische als nogal pessimistische scenario's uitzenden, waarbij ze zich richten op de sociale en politieke verdeeldheid waartoe digitale technologieën kunnen leiden.
Een heel belangrijk verhaal voor de kunst van de afgelopen jaren zijn bewakingstechnologieën en hoe kunstmatige intelligentie en automatisering sociale verschillen verergeren en leiden tot nog grotere ongelijkheid tussen mensen in een wereldwijde digitale freakshow waarin iedereen een waarneembaar object wordt.
Zeer interessante resultaten van het gebruik van digitale technologieën in de kunst worden bereikt door bricolage, dat wil zeggen het gebruik van een object voor andere doeleinden: wanneer kunstenaars onverwachte assemblages maken, een object in een ongebruikelijke context ervoor plaatsen en proberen het alledaagse te veranderen. situatie rond. Een digitale artiest kan bijvoorbeeld het videobewakingssysteem op openbare plaatsen hacken en een audiobericht uitzenden via de microfoon van de camera's, wat een soort vreemde, scherpe of zelfs pijnlijke reactie oproept bij mensen die zich in deze ruimte bevinden.
Alles kan aan zo'n heroverweging worden onderworpen: machine learning, geolocatietechnologieën, deepfakes. Je kunt geloofwaardige afbeeldingen maken van niet-bestaande mensen of dieren, of 3D-printen aanpassen om vreemde objecten te produceren die niet zozeer utilitaire als wel esthetische waarde hebben.
Een voorbeeld van zo'n bricolage is de activiteit van het Zwitserse duet! Mediengruppe Bitnik, wiens geestige projecten vaak grenzen aan het overtreden van de wet. Een claim wegens inbreuk op het auteursrecht had kunnen leiden tot hun actie uit 2007, “The Opera Calls. Aria's voor iedereen. De artiesten verstopten bugs in de hal van het operagebouw van Zürich en zonden optredens uit naar willekeurig geselecteerde telefoonnummers van inwoners van Zürich. Door de telefoon op te nemen kreeg de burger de mogelijkheid om zonder tijdslimiet live naar de operavoorstelling te luisteren.
Zijn programmeurs de nieuwe curatoren?
Er wordt aangenomen dat het allereerste digitale beeld eind jaren vijftig werd verkregen op het computerscherm van het SAGE interceptorgeleidingssysteem. Het was een vectorsilhouet van een pin-up schoonheid, gemaakt met 97 ponskaarten. Het is interessant dat, net als aan het begin van het computertijdperk, in de jaren 2010, op het gebied van digitale kunst de smaak en voorkeuren van niet-kunstenaars of invloedrijke figuren in de kunstomgeving - curatoren, galeriehouders, kunstcritici en dealers — zijn van bijzonder belang, maar programmeurs. We hebben het in de eerste plaats over NFT-technologieën en het aanleren van kunstmatige intelligentie om digitale werken te creëren.
De heropleving van oude esthetische ideeën (zoals de wilde populariteit van pixelkunst) die we vandaag zien, kan vanuit een sociologisch oogpunt worden verklaard. Specialisten die deze technologieën implementeren en er kunstmatig een hype omheen creëren, zijn vaak helemaal geen kunstenaars door hun aard van activiteit, ze zijn niet verbonden met de culturele industrieën. Dit zijn professionals uit de technologische omgeving die hun eigen visie op kunst en cultuur doorgeven zonder deze in twijfel te trekken. Een dergelijke onkritische toepassing van een vrij individuele esthetiek kan echter geen doorslaggevende rol claimen in de algemeen belangrijke filosofie van de hedendaagse kunst.
Veel meer dan esthetisch zijn NFT-technologieën van belang in verband met de herdefiniëring van de rol en het functioneren van het kunstwerk in het commerciële systeem. Theoretici van gerepliceerde, gekloonde kunst, zoals Walter Benjamin en Jean Baudrillard, zouden dol zijn op het idee van een digitaal recht om het origineel te bezitten van een kunstwerk dat het origineel niet nodig heeft. We kunnen zeggen dat de opkomst van dergelijke technologie het proces illustreert van totale abstractie en afwijzing van materialiteit. Maar tegelijkertijd keert de materialiteit terug in een nieuwe vorm: bijvoorbeeld wanneer als performatief gebaar het fysieke origineel van een kunstwerk in een shredder wordt vernietigd.